15 películas para ver el lado bueno de las cosas

Un movimiento cíclico y perpetuo que se renueva a través de una iconografía suntuosa y una espiritualidad corrupta, se podría resumir el nuevo capítulo cinematográfico de un director polifacético e impredecible como Kim Ki-Duk. Un director (y actor en este caso) que ama explorar profundamente la necrosis del alma humana para santificarla a través de un uso salvaje de la imagen y la narración. Sus películas son básicamente historias que se desvanecen, parábolas de lenta decadencia a través de un refinado proceso de involución humana en el que el director permanece como un observador helado. Primavera, estrenada en los cines en 2003 y primera película del director coreano estrenada en España, marca una clara ruptura en la poética de Kim Ki-Duk, que se concreta en la transición de las atmósferas alucinantes y morbosas de sus primeras obras hacía una visión más lustrosa y canónica del mundo, un ascetismo, sin embargo, en el que la desintegración del protagonista está siempre presente, pero ya no violentamente en el centro de la escena.

La historia es la de un viejo monje y su joven discípulo que viven en una remota ermita budista anidada en las montañas de Corea del Sur, un templo de madera suspendido entre el cielo y la tierra, que flota en la superficie de un prístino lago. Alrededor de esta especie de teatro móvil gira toda la narración de la obra que nunca sale de este maravilloso lugar. Las cuatro estaciones marcan los puntos focales en los que se envuelve la historia de los dos hombres. La primavera se abre con el niño discípulo que es reprochado por el Maestro por haber torturado tres animales, un pez, una rana y una serpiente, atándoles una cuerda con una piedra y divirtiéndose delante de su sufrimiento. La simbología ligada al mundo animal que caracteriza toda la obra es muy fuerte (cada estación alberga un animal diferente que corre libre por la ermita: un perro, un gallo, un gato, una serpiente). El verano marca la llegada de la fisicalidad con la atracción sexual y el enamoramiento entre el discípulo adolescente y una joven que vino al ermita para curarse de un misterioso malestar. El sexo entre los dos chicos es una especie de ganzúa que rasga la cortina del ascetismo y marca la separación entre Maestro y Discípulo. Con la partida del chico, de hecho, el verano termina. En otoño, el hombre volverá al ermita con el ya viejo Maestro después de haber matado a su esposa en un ataque de rabia por su traición. El Maestro obligará al hombre a un rito caligráfico de penitencia grabando en las hachas del ermita algunos Mantras de Penitencia. La temporada termina con el asesino que es arrestado por la policía, mientras que el Maestro purga los defectos de su enseñanza con el suicidio en el que purifica su cuerpo con fuego. El invierno marca el regreso del discípulo al ermita después de haber cumplido sus pecados. El hombre decide dedicar su vida al ascetismo y al desapego de las cosas terrenales. Pero la rueda infinita de la Vida lo somete a un joven adepto al que tendrá que dedicar sus enseñanzas en un movimiento perpetuo y cíclico que se renueva: una serpiente gigante que se muerde la cola, una banda de Möbius que vibra infinitamente por encima de la frágil finitud de los hombres.

Camboya, 1975, la ciudad de Phnom Penh brilla con vida y colores y es inmortalizada por un fotógrafo, pero todo está destinado a alejarse de los ojos occidentales. De hecho, el fotógrafo se marcha con los demás estadounidenses y el régimen de los Jemeres Rojos se establece en el país, que implementa un programa de purificación genocida para Camboya. Luon Ung es una niña de cinco años que es testigo de las numerosas y sádicas injusticias practicadas por los soldados en su familia, mientras trata de sobrevivir entre el hambre y las privaciones en una especie de campo de concentración rural, donde los detenidos cultivan alimentos para los militares. . También se convertirá en una niña soldado cuando sea transferida a otro campo de entrenamiento. Primero mataron a mi padre es la adaptación del homónimo libro, que cuenta las memorias de la escritora y activista camboyana Loung Ung, quien sobrevivió durante el régimen mortal de los Jemeres de 1975 a 1978. La historia se cuenta a través de sus ojos, comenzando desde los cinco años, cuando los jemeres rojos llegaron al poder, hasta los nueve años. La película muestra el espíritu indomable y la devoción de Loung y su familia, que luchan sin descanso para permanecer unidos durante esos años terribles.

Película dramática de 2008 dirigida por Gabriele Muccino, que nos cuenta la historia de Tim Thomas (Will Smith), un joven ingeniero aeroespacial. Un día, debido a una distracción banal, Tim causa un trágico accidente automovilístico como resultado del cual mueren 7 personas inocentes, incluida su esposa. El evento permanece indeleble en la mente del hombre que, devorado por la culpa, decide redimirse salvando la vida de siete personas merecedoras y cuidadosamente elegidas. Tim entonces comienza la búsqueda de las siete almas. La primera persona en ser elegida es su hermano Ben, a quien decide salvar donando un pulmón, unos meses más tarde es el turno de Holly, trabajadora social, a quien Tim decide donar una parte del hígado, después de ella será el turno de George, entrenador de hockey, de un joven llamado Nicholas y de Connie, una mujer maltratada por su novio a quien Tim decide entregar su casa al mar para que pueda mudarse junto con sus hijos y reconstruir una vida lejos de su pareja. Entre todos, sin embargo, la última alma será la más difícil de ayudar, la bella Emily Posa (Rosario Dawson). Tim, de hecho, se volverá muy aficionado a ella y este sentimiento inesperado inevitablemente lo llevará a hacerse una pregunta terrible: ¿aprender a vivir de nuevo o dejar vivir?

Basado en una historia real que sucedió en los años ochenta y que se cuenta en el libro de Gad Shimron, «Mossad Exodus». El protagonista del thriller, dirigido por el director israelí Gideon Raff, es Chris Evans, quien, al pico de sus compromisos sociales, políticos y cinematográficos, siempre está buscando nuevos desafíos que enfrentar e historias interesantes que contar. Ben Kingsley, Haley Bennet, Greg Kinnear, Michael Kenneth Williams y Alessandro Nivola también actúan con él. Así este último cuenta la historia:

“Los israelíes enviaron a cinco agentes del Mossad a Sudán para establecer un hotel falso en la costa. Fueron a campos de refugiados, cargaron a judíos etíopes en camiones y los llevaron a la costa para subirlos a los barcos de la Armada de Israel y enviarlos de regreso a Jerusalén. De esta manera, sacaron a 30,000 refugiados de Sudán en cuatro años «.

La misión secreta de la película está dirigida por Evans, quien interpreta al carismático Ari Levinson, mientras que Michael Kenneth Williams es un valiente ciudadano sudanés, Kabede Bimro. Ellos son los que administran el hotel en el Mar Rojo como cobertura, para las actividades nocturnas antes mencionadas.

La historia está ambientada en Sierra Leona en 1999, donde el mercenario Danny Archer (Leonardo Di Caprio) lleva un comercio ilegal de diamantes en nombre del coronel Coetzee (Arnold Vosloo), a pesar de la guerra civil que aflige al país. En el contexto de la devastación y la violencia causadas por el conflicto, las guerrillas despiadadas del Frente Revolucionario Unido atacan las aldeas y deportan a los hombres a los campos de diamantes. Entre ellos está el pescador Solomon Vandy (Djimon Housou) quien, después de ser separado de su familia, es obligado a realizar trabajos forzados en la mina. Cuando el gobierno está a punto de atacar el campo, Solomon encuentra un precioso diamante rosa y logra ocultarlo. Mientras tanto, se han descubierto los crímenes de Danny y el hombre está encerrado en la prisión de Freetown. Aquí, el contrabandista se entera del descubrimiento del precioso diamante rosa y contacta a Solomon, quien también está encarcelado, prometiendo encontrar a su familia a cambio de la piedra extraordinaria. Gracias a la complicidad de la reportera Maddy Bowen (Jennifer Connelly), los dos cruzan el país completamente destruidos por la guerra civil. Cada uno de ellos tiene un propósito específico. Solomon quiere reunirse con su familia y liberar a su hijo de los rebeldes que lo obligaron a convertirse en un niño soldado. Mandy, apasionada e idealista, quiere documentar el tráfico ilícito de multinacionales, que aprovechan la ruinosa situación del estado para contrabandear diamantes. Danny, por otro lado, quiere continuar con su comercio pero ignora que, poco después, se convertirá en la única forma de permitir que sus compañeros de viaje tengan éxito en sus negocios.

Cometas en el cielo (The Kite Runner) es una película de 2007 dirigida por Marc Forster, basada en la novela del mismo nombre de Khaled Hosseini. Amir y Hassan viven en Kabul y, a pesar de las diferencias sociales, son buenos amigos. Los dos niños disfrutan pasar tiempo jugando con cometas, olvidando la degradación que los rodea durante unas horas. Sin embargo, su tranquila despreocupación se ve perturbada por el encuentro accidental con una camarilla de niños mayores, que atacan a Amir. Para defender a su amigo, Hassan golpea a la cabeza de la pandilla con su tirachinas y, en unos segundos, los niños lo alcanzan y lo castigan de una manera inhumana. Sorprendido e indefenso ante tal brutalidad, Amir reacciona de una manera singular, tratando de evitar cualquier encuentro futuro con Hassan. Para alejarlo de su hogar, Amir incluso inventa que su amigo es un ladrón y le pide a su padre que lo ahuyente. Pasan varios años sin que los dos vuelvan a reunirse. En 1979, la Unión Soviética invade Afganistán y Amir y su padre huyen primero a Pakistán y luego a California. A pesar de que la realidad estadounidense es muy diferente de la original, Amir está perfectamente aclimatado, emprendiendo un fructífero camino de estudio y construyendo su propia familia. En 2000, sin embargo, la vida cotidiana de Amir se ve sacudida por la solicitud de Rahim Khan, viejo amigo del difunto padre, que le dice que le gustaría encontrarlo en Pakistán. Sorprendido por la revelación de Rahim, Amir decide regresar de incógnito a Afganistán, donde tendrá que enfrentar el pasado …

Okja es una película dramática de 2017 dirigida por el coreano Bong Joon Ho, con Tilda Swinton, Jake Gyllenhaal y Seo Hyun An. La nueva jefa de la Corporación Mirando, Lucy Mirando (Tilda Swinton), anuncia al mundo que está en posesión de un nuevo tipo de cerdo, enorme y con deliciosas carnes. Después de 10 años de cría en diferentes partes del mundo, se elige al mejor cerdo, Okja, criado en Corea del Sur con Mija (Ahn Seo-hyun) y su abuelo, y aunque la niña no quiere separarse, Okja es trasladada. Wilcox, el medico que se hace cargo de Okja, (Jake Gyllenhaal) se presentará al mundo desde la sede de Mirando en Nueva York. Mija no se rinde y va a Seúl, donde el cerdo está a punto de ser enviado al extranjero, y entra en contacto con el FLA (Frente de Liberación Animal), que acusa a Mirando de maltratar a los animales. Su líder Jay (Paul Dano) quiere convencer a la niña de que esconda detrás de la oreja de Okja una grabadora que pueda reanudar el maltrato de Mirando y tener la evidencia para exhibirla en el mundo interno; A Mija solo le gustaría ir a casa con su amiga, pero K (Steven Yeun), quien traduce su conversación, le miente a Jay diciendo que Mija está de acuerdo con el plan. Okja se convertirá así en un trofeo que Mirando usa para encantar al mundo, sufrirá violencia y maltrato. Mija intentará desesperadamente salvarla, finalmente ayudado también por Jay, quien se dará cuenta de que él también ha usado al cerdo, no para protegerlo, sino para lograr sus propósitos.

Jake Sully es un ex marine condenado a vivir en una silla de ruedas. A pesar de la discapacidad física, Jake sigue siendo un luchador en su corazón. Le reclutan en el ejercito y, después de un viaje de unos pocos años luz, llega al puesto avanzado de humanos en Pandora, donde un consorcio de empresas se dedica a la extracción de un mineral raro, indispensable para resolver la crisis energética en la Tierra. Dado que la atmósfera de Pandora es tóxica, se desarrolló el Programa Avatar, que le permite conectar la conciencia humana a un avatar, es decir, un cuerpo biológico guiado a distancia, capaz de sobrevivir a la atmósfera letal del planeta. Estos avatares son híbridos genéticamente modificados en los que el ADN humano se ha mezclado con el de la población indígena de Pandora … los Na’vi. Renacido en el cuerpo de un avatar, Jake puede caminar de nuevo y comenzar la misión que se le ha asignado: infiltrarse en el mundo de los Na’vi, que se han convertido en un serio obstáculo para la extracción del precioso mineral. Pero una hermosa mujer Na’vi, Neytiri, le salva la vida y esto lo cambia todo. Jake es bienvenido a su Clan y aprende a ser uno de ellos, después de pasar muchas pruebas y vicisitudes. A medida que la relación entre Jake y la reticente maestra Neytiri se profundiza, el hombre aprende a respetar a los Na’vi y al mundo en el que viven y, al final, toma partido. Pronto Jake enfrentará la prueba final, liderando a los Na’vi en una batalla épica que decidirá el destino de un mundo entero.

Tarantino continúa su viaje a través de las contaminaciones cinematográficas que son los pilares de su génesis artística. En este caso extrae del cilindro uno de los personajes históricos de ese período y ese género: Django.

Tarantino, como siempre, cruza diabólicamente la figura del pistolero redimido con la lucha por la liberación de los esclavos negros en el sur racista de finales del siglo XIX. El doctor King Schultz, un falso dentista que en realidad es un cazarrecompensas, libera al esclavo Django y le enseña la profesión de pistolero. Después de hacer uso de los preciosos servicios de Django, el médico lo ayudará a encontrar su Broomhilda, como un nuevo Siegfried en la saga de los Nibelungos. Huelga decir que la película sigue siendo agradable desde el primer hasta el último cuadro, con deliciosos y más o menos velados homenajes al cine italiano de la década de 1960 (el más sensacional es quizás el cameo de Franco Nero). Cabe agregar que el trabajo, además del talento del director, es ennoblecido por un titánico Christoph Waltz. Decenas de escenas para recordar, desde el asesinato sobrio del falso alguacil Bill Sharp con una explicación pública igualmente sobria de Schultz, frente a cien cañas dirigidas hacia él, cómo en realidad el sheriff era un ladrón de ganado disfrazado, todo pronunciado con deliciosa pompa y brío irónico. O lo más destacado cuando el despiadado herrero Calvin Candie se da cuenta de la verdadera naturaleza de la visita de Schultz y Django a su mansión (para liberar a la mujer de Django) y organiza una dramática confrontación en el comedor entre porcelana fina y cubiertos de plata con los dos caballeros. Como en cualquier película de Tarantino, el océano de citas, homenajes y robos cinéfilos es tan vasto que no se pueden ver sus límites, pero para decirlo con Leopardi: «el naufragar me es dulce en este mar».

Un desorden preestablecido donde el ojo deambula con aire de suficiencia mientras el refinado arte de Nolan lleva la narración y la perspectiva iconográfica a los niveles más altos. Este puede ser uno de los posibles parámetros de lectura de una obra conceptualmente compleja, magníficamente organizada con técnicas surrealistas para la reconstrucción de los sueños y su etapa inestable.

Nolan intenta arriesgarse a trasladar a la película lo que reside en la mente humana al construir una red narrativa cautivadora a su alrededor. La historia se centra en la figura de Cobb, cuya habilidad para adaptarse a los sueños de las personas y obtener información se requiere en todos los rincones del mundo. Cobb es contactado por Saito, un poderoso industrial japonés, que encarga la operación inversa: implantar una idea en la mente de uno de sus competidores, de tal manera que lo induzca a interrumpir la compañía del padre.

Un descenso a la Verne comenzará a través de los niveles oníricos del hombre, hasta las profundidades del subconsciente, para injertar el brote indeleble de una idea. Alegórica, metafórica, surrealista: los adjetivos para una película como esta podrían desperdiciarse. Nolan juega con las reglas no escritas de Philip K. Dick para deconstruir la realidad privándola de sus construcciones. Durante su narración, el sentimiento de alienación es palpable, y la angustiosa realidad de la duda y el sueño devora cada punto de referencia.

Relegar El viaje de Chihiro a una mera película animada destinada a una audiencia de niños es tremendamente reductor. Hayao Miyazaki nos brinda esta emocionante promesa de su inmenso talento donde logra coexistir en perfecta armonía entre el plan real y el fantástico. En una entrevista, el maestro japonés dijo que cuando trabaja en una película no necesita un guión, sus películas se crean dibujo tras dibujo, siguiendo la dirección que toma la narración. Sin embargo, este espléndido trabajo parece ser un edificio tan majestuoso y complejo, y al mismo tiempo armonioso y perfecto, que es difícil creer que detrás de él no haya un plan rigurosamente diseñado.

Chihiro se muda a una nueva ciudad con sus padres. Durante el viaje en coche, su padre decide tomar un atajo que termina en un extraño parque de atracciones abandonado. Explorando ese lugar desolado atrae la atención de la familia un restaurante con una extravagancia de manjares exhibidos en la degustación, por lo que mientras los dos padres se atragantan con la comida, Chihiro explora los alrededores y, a su regreso, mamá y papá se habrán transformado en cerdos. Chihiro se aventura entre los espíritus de ese pueblo fantasma, buscando un camino de salvación para sus padres, capturado por el mal de esos lugares. Será un viaje surrealista a través de espíritus despedidos, sombras esquivas y vapores embrujados. Su viaje comenzará en el palacio de la bruja Yubaba, donde podrá encontrar un trabajo ayudado por Haku, un chico extraño al servicio de la bruja.

Algunas apariciones siguen siendo memorables, como las criaturas en el baño turco que salen de la niebla del agua y se amontonan alrededor del pequeño protagonista. O como Kamaji, el hombre tentacular que administra la sala de calderas ayudado por muchas bolitas de hollín que transportan carbón para arrojarlo a las enormes mandíbulas ardientes de la caldera. Cada marco está habitado por las criaturas más extrañas que la mente humana podría concebir, y el Maestro las hace desfilar en la narrativa con una naturalidad desarmadora, sin ningún tipo de artificio retórico, sin una sombra de redundancia semántica. En resumen, este trabajo es el triunfo de la fantasía sobre la realidad, es una prueba de que la creatividad se eleva a la verdadera esencia ontológica de la historia. En definitiva, un trabajo que nos hace reflexionar sobre una serie de cuestiones, dependiendo de nuestro estado de ánimo. Para ver una y otra vez.

Blow representa el ascenso y la caída de George Jung (Johnny Depp), el mayor traficante de cocaína de los años 70 en los Estados Unidos. Proveniente de una familia de recursos limitados que luchan por sobrevivir confiando en su pequeño negocio, Jung se va a California para comenzar una nueva vida, pero pronto termina en la cárcel incluso antes de comenzar la carrera por la que será tristemente conocido.

Precisamente en la cárcel conoce sus primeros contactos con el negocio de la cocaína. Un gran negocio que logra explotar en el momento de su salida de prisión, convirtiéndose en el eslabón principal en el comercio de cocaína entre el cartel colombiano de la droga liderado por Pablo Escobar y el mercado de los Estados Unidos. Pero la inmensa riqueza y poder que gana no le permiten ver los verdaderos costos de lo que ha emprendido.

«Nunca confíes solo en el dinero, parece realidad, pero no lo es«.

Una película algo sorprendente, esta de Tarantino, que se aleja del filón metropolitano para aventurarse en el genero bélico. Pero la guerra de Tarantino está libre de cualquier rigor histórico o crónico, es una guerra onomatopéyica, grotesca, en algunos aspectos casi estilizada y estereotípica, como un cómic. Pero es precisamente esta herramienta narrativa sutil y encantadora la que Tarantino pone en escena para confundir al espectador y capturarlo en una red iconográfica que no le ofrece puntos de referencia. Una aparente trivialización del contexto histórico que se convierte en el escenario de múltiples contaminaciones, donde el teniente Raine aparece como una especie de popeye ante litteram libre de desencadenarse y ensañarse sardónicamente sobre los odiados nazis. Los personajes son actores escupidos de una novela gráfica, superhéroes arrugados prestados a una guerra que no es de ellos, hombres con un coraje extraordinario que regalan a quienes miran una coparticipación cada vez más viva y apasionada.

Aldo Raine es un teniente estadounidense que reúne a un equipo de tipos realmente duros: su trabajo será infiltrarse en la Francia ocupada y «matar a la mayor cantidad posible de nazis». Más tarde, convocará a su equipo para llevar a cabo misiones delicadas, en particular el ataque a la vida de Hitler. Para hacer esto, Raine elegirá un cine parisino propiedad de una mujer judía que sobrevivió a la masacre de su familia y está lista para vengarse por su cuenta. Los dos ataques, el del comando estadounidense y el de Shosanna, se envolverán en un crescendo de Rossini hasta que exploten en una espiral de fuego y muerte en el final de la película.

Brad Pitt, superhomista, surrealista y sardónico, interpreta a este dibujante degollanazis.

Mención muy especial por la interpretación de Cristoph Waltz en el papel del coronel Hans Landa, una gran prueba de talento que otorga prestigio a toda la obra. Por lo tanto, es inútil buscar referencias históricas o respeto filológico por géneros, es mejor disfrutar del sabroso valor artístico de la película y dejar que las imágenes fluyan con su poder brillante.

Otra nota super positiva es la lingüística, en la que además de haber puesto en obra todos los idiomas a la perfección en cada uno de los momentos en los que tocaba, se respetan y se resaltan las diferencias regionales. Chapeau.

En una Tierra alternativa, los humanos coexisten con criaturas fantásticas, como orcos y elfos, que son los únicos que pueden usar la magia. Esto los convierte en una clase privilegiada, una especie de equivalente al 1% como los define el director David Ayer, mientras que los orcos son los más humildes en la escala social, realizan trabajos agotadores y a nadie le importan hasta que se conviertan en delincuentes. De hecho, la policía los persigue y en más de un caso han atormentado a inocentes. Precisamente esta tensión racial inició el programa de diversidad que crea el punto de partida de la película: un agente negro, Daryl, se encuentra como compañero Nick, el primer policía orco en Los Ángeles. Durante una patrulla nocturna de rutina, los dos descubren un poderoso artefacto, una varita mágica que se pensó que había sido destruida y que, en cambio, está en posesión de Tikka, una joven elfa. La varita es lo suficientemente poderosa como para matar a cualquier humano que intente usarla. Fue creada por la antigua bruja élfica Leilah, que por supuesto quiere recuperarla, para llevar a cabo proyectos revolucionarios. Fuerte la denuncia a la sociedad estadounidense (y no solo a ellos), y no es casual el papel principal dado a un actor de color, porque aún no, no hemos superado el racismo entre blanco y negro, entre otras cosas.

«La esencia del espíritu del hombre radica en las nuevas experiencias» Chris le grita a Ron desde lo alto de una cresta, es una frase de despedida y Chris está instando a su viejo amigo a abandonar una casa llena de soledad para perderse en el mundo, llevar a cabo un cambio radical en su vida. En estas palabras de Chris, está la clave para leer esta película: su franqueza, su entusiasmo abrumador, su ingenua alegría al descubrir el mundo es el punto de apoyo narrativo en torno al cual Sean Penn construye una historia de libertad sin restricciones sociales, adaptando su historia a la novela homónima de John Krakauer.

Chris McCandless podría ser uno de los muchos millones de jóvenes estadounidenses que, después de una brillante carrera universitaria, esperan una vida cómoda y eterna. En cambio, el joven dona todas sus pertenencias a obras de caridad, alquila un coche y se dirige al vasto continente americano. Un camino de iniciación que le hará saborear la esencia misma del concepto de libertad, el néctar de la emancipación de cada carga con la que la sociedad pretendía embridarlo. Conocerá a hombres y mujeres con quienes compartirá una parte de su viaje, pasando como un rayo en sus vidas y dejando una sensación de pureza, de amor clandestino por su despreocupado nomadismo. La esencia de la película está capturada por los versos de Lord Byron utilizados como epígrafe al comienzo de la película: «Hay una alegría en los bosques inexplorados, hay éxtasis en la playa solitaria, hay vida donde nadie se acerca a las profundidades del mar, y hay música en su rugido. No amo menos al hombre, sino a la Naturaleza más «.

Una película que nos sacude, haciéndonos vislumbrar en lo que cada uno de nosotros podría haberse convertido si hubiera decidido rendirse al elemento salvaje. Una libertad tristemente fatal para el cuerpo de Chris, pero desde luego no para su alma.

«Nunca dejaré de ser un conjunto de piezas pegadas, después de todo siempre habrá algo roto en mí», dijo AM Homes en su novela autobiográfica La hija del amante, en la que contó cómo su madre biológica había irrumpido en su vida cuando tenía 31 años.Lion también habla de piezas pegadas y piezas rotas, una adaptación de A Long Way Home de Saroo Brierley, que el australiano Garth Davis trae a la pantalla grande.

Cronológicamente contado, Lion es la historia de Saroo, un niño perdido en la India, en un contexto oscuro lleno de peligros, donde los niños que viven en la calle desaparecen, en la indiferencia de la multitud ocupada a sobrevivir; Saroo tiene «suerte», logra sobrevivir, escapar de las garras de muchas personas malas y termina en un orfanato al otro lado del país. Ahí es donde lo encuentran sus padres adoptivos, una pareja australiana que desinteresadamente decidió adoptar niños en lugar de tener los suyos. Después de muchas dificultades como un pequeño huérfano, la adaptación de Saroo al nuevo mundo es total, y solo la incómoda presencia de su hermano Mantosh, también adoptado, muestra que lo que une las piezas pegadas de esta familia perfecta es solo eso, pegamento.

Dev Patel interpreta con calor al Saroo universitario que, cuando entra en contacto con otros indios, oliendo su cocina y descubriendo sus características, de repente recuerda lo que no quería ver en esos años: sus orígenes. Así es como se embarca en un viaje tecnológico en busca de la madre y los hermanos que perdió, y también, él mismo. Un viaje en Google Earth que parecería una broma si la historia no estuviera inspirada en un caso real. En cualquier caso, no es en este viaje donde reside la capacidad emocional de Lion, sino en su enfoque honesto en la adopción, el sentimiento del adoptado y la persona que adopta, la maravillosa Nicole Kidman, las piezas pegadas, el inevitable vacío de no saber quiénes somos y de dónde venimos.